Psicoacustica e digitalizzazione

L'utilizzo del suono per controllare la risposta emotiva del pubblico era al centro delle preoccupazioni di Harold Burris-Meyer, pioniere del comportamentismo sonoro e acustico. Ignorato dal grande pubblico, ha condotto, tra le tante attività, una carriera proteiforme come ingegnere, consulente dei Bell Laboratories, collaboratore e vicepresidente della fabbrica di musica d'ambiente Muzak, professore universitario e regista teatrale; ha lavorato anche per l'esercito americano (creando esche sonore destinate a ingannare gli eserciti nemici) e per la CIA, e ha scritto opere fondamentali sulla regia teatrale, sull'acustica e sull'architettura di teatri e auditorium. Il tema principale del libro di Juliette Volcler è che le sue attività sono il pretesto per una vera e propria indagine, presentata con un eccellente senso della narrazione e non priva di umorismo, che ci porta al cuore degli sviluppi tecnologici della diffusione sonora, nonché dei tentativi di manipolare la coscienza per mezzo di effetti fonici che portano a reazioni fisiologiche o psichiche. Burris-Meyer ha iniziato la sua ricerca nel teatro e l'ha proseguita con la musica di sottofondo: questo tipo di lavaggio del cervello, che viola il diritto al silenzio e impedisce il pensiero indipendente, era inizialmente finalizzato ad aumentare la produttività dei dipendenti delle grandi fabbriche senza dover migliorare le loro condizioni di lavoro. Da allora si è insinuato ovunque, soprattutto negli incentivi al consumo.

In un saggio tradotto di recente, il filosofo Harry Lehmann affronta questioni che hanno suscitato dibattito, e persino scandalo, nell'avanguardia musicale conservatrice tedesca. In esso analizza la dipendenza di una parte della musica contemporanea dalle istituzioni e i suoi corollari (formattazione, esclusione di compositori "non standard"), nonché le possibili ripercussioni della digitalizzazione della musica per i compositori, gli editori, gli esecutori, gli insegnanti e gli ascoltatori, e per le opere stesse. La tesi dell'autore è che le recenti possibilità digitali offrono nuove prospettive per la produzione e la distribuzione (a cui prima solo il quadro istituzionale dava accesso). Ad esempio, è ora possibile produrre le proprie partiture senza passare attraverso gli editori, che stanno gradualmente perdendo le loro funzioni tradizionali; il MAO e il campionamento e la distribuzione via web stanno fornendo alternative ai compositori indipendenti o con orientamenti stilistici diversi. La musica contemporanea "istituzionale" viene così, volente o nolente, messa in discussione e costretta a posizionarsi di fronte alle nuove sfide dell'era digitale. L'autore apre una serie di piste di riflessione in questo senso, ma nonostante l'entusiasmo per queste nuove prospettive, non possiamo fare a meno di pensare alle possibili ripercussioni negative, come i costi sociali e la sensazione di disumanizzazione quando la colonna sonora di un film non è più registrata da un'orchestra, ma "suonata" con banche di suoni computerizzate. Comporre solo campionando i suoni può anche escludere il proficuo scambio tra compositori ed esecutori. Al contrario, le virtualità come gli strumenti tradizionali con tessiture aumentate di diverse ottave, gli strumenti ibridi, i suoni completamente nuovi e i tempi sovrumani, ampliano il campo delle possibilità per i creatori. Inoltre, l'economia digitale consente l'emergere di un mercato di nicchia (in cui le nozioni di stoccaggio o di redditività non valgono più) e, di conseguenza, la diffusione di opere raramente ascoltate. In definitiva, il risultato potrebbe essere la casualizzazione delle carriere, in un mercato saturato da una moltitudine di compositori la cui selezione potrebbe essere effettuata, secondo l'autore, da critici musicali indipendenti piuttosto che dalla cooptazione, che troppo spesso standardizza l'estetica.

Al di là delle sue affermazioni talvolta perentorie e di un campo visivo che appare quantomeno limitato, a Harry Lehmann si può rimproverare una mancanza di distanza critica di fronte al suo stesso ottimismo sugli effetti futuri della tecnologia digitale, ennesimo avatar della fede in un Progresso salvifico e del senso della storia. Parte della seconda metà di questo saggio, che riguarda maggiormente i problemi estetici specifici della musica tedesca contemporanea, sarà forse meno interessante per i lettori francofoni. Tuttavia, il merito principale di questo libro è quello di costringerci a interrogarci sui cambiamenti di paradigma determinati dall'onnipresenza, seppur smaterializzata, della tecnologia digitale in un mondo in cui ciò che non è "online" sembra non esistere più.

Juliette Volcler: Control. Comment s'inventa l'art de la manipulation sonore, 160 p., € 14,00, Editions la découverte, Paris 2017, ISBN 978270719013

Harry Lehmann: La Révolution digitale dans la musique, 224 p., € 15,00, Editions Allia, Paris 2017, ISBN 979-10-304-0696-2